三大美院招考特征分析

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　　本文向考生全面综合阐述国内三大美术学院，中央美术学院、中国美术学院、清华大学美术学院的招生考试的特征和需要特别注意的问题和情况，希望可以给报考这3所顶级美院的考生和家长一些指导。

　　一、概述

　　1、命题方面。中国美术学院考试崇尚基本功考核，试题不用猜，和你平时练的一样，“高分奇迹”出现率低;中央美术学院、清华大学美术学院两校的命题绘画更有临场一闪念的成分，“高分奇迹”出现率高。

　　2、考试科目。中央美术学院考4科，中国美术学院、清华大学美术学院考3科;中央美术学院、清华大学美术学院用8K纸，中国美术学院4K纸。

　　3、速写科目。中央美术学院、清华大学美术学院速写注重场景生动，要求大气画得放;中国美术学院注重动态基本功，要求画的紧凑一些。

　　4、色彩科目。中国美术学院的色彩非常独特，讲究构图位置空间，会把主题物很突出，对造型要求相对比较低，更注重颜色的表现，首先色调得非常好，要非常协调，灰色调比较适合这些美院，要大胆的表现色彩;中央美术学院、清华大学美术学院的静物在强调色调的基础上很强调造型。

　　5、考试细节。总体中央美术学院、清华大学美术学院更注重生活化，大量阅读阿利卡的作品必定有帮助;至于清华大学美术学院考试不用画架、中央美术学院考试不用胶带、中央美术学院和清华大学美术学院考试把试卷吹干的试卷算在整个考试时间内。

　　6、计分方式。清华大学美术学院的计分方法比较特别，一个名次差为12.5分，而不是1分或半分这样计算的。

　　7、招生人数。中央美术学院和清华大学美术学院两校录取人少，中国美术学院录取多一些，自然国美更“容易”一些。

　　8、文化要求。专业是基础，文化是保证。中央美术学院按专业排名，恐怕机率更小，文化420分倒也不是难事，如果420分也困难，那么清华大学美术学院就更加不用考了。中国美术学院是算综合分的，如果文化530分，专业大致在1000名也不怕了。总之，专业自认为尚可的，除了清华大学美术学院先量一量自己的文化成绩外，都可以去考。

　　中央美术学院：专业取得好的名次，首先你要有扎实的专业基础，这个来不得半点虚假，其次有针对性进行准备，做到有的放矢。造型考试素描、色彩都是写生(素描半身、色彩头像)，就看你平时的基础了，只要临场正常发挥即可，关键是创作和速写，速写不是简单的写生，它要求有场景的组合，环境、构图不要忽视，要加强主要人物的动态和面部刻画的生动性，央美在刻画到位的基础上注重生动性。创作要紧扣题目，立意鲜明，要在考试前期至少准备四五幅成型稿，以便考场套用，这个很重要，现场想是来不及的，效果往往不理想。设计考试基本不用写生，各科在扎实的专业基本功基础上，注重立意和画面构图!考前也要准备四五幅不同的成型稿，以便现场修改套用。素描要刻画到位，体现出基本功，色彩要颜色鲜明，概括整体，专业设计紧扣主题，加强联想，速写类似造型考试要求。总之，造型考试素描、色彩专业基础要求高，设计考试及造型创作考试的灵活性和临场应变要求高。

　　中国美术学院：2013年素描科目主要为人物写生(有的专业为头像写生，有的专业为半身像写生)，其中图像与媒体艺术类为线性素描写生(是指以线性表达为主的素描写生方式描绘客观对象);色彩方面，造型艺术类专业改为色彩头像写生，其他专业类别仍为静物写生，而且写生静物大多为雨靴系列、厨房用具系列等生活用品。突破以往的概念化和应试化静物组合，将写生内容引导向日常生活，以加强对生活的艺术观察、理解、领悟;速写科目考试内容为临摹大师作品，作为中国美术学院本科招生考试中近年来持续重视的考试科目，通过赏析和临摹国内外名家名师的作品在进行基础训练的同时可拓宽和提升考生的艺术视野。

　　清华大学美术学院：造型多年不变，素描半身带手写生，色彩人物头像写生(水粉)，速写场景默写，非常明确，考前多练就是，无什么特殊要求。设计考试到要精心准备，多年来，三科都是默写，要紧扣主题，加强表现，体现绘画基本功，2012年三科考题都是 “中秋节”，看来画面表现及基本功是评分的重点。考前准备若干幅成型的场景和构图非常重要，考试时根据考题灵活套用，这和准备考央美创作及设计的道理相同。

　　二、中国美术学院应考策略

　　中国美术学院素描考试基本以人物肖像写生为主。考查及评分标准建立在通过写生形式考查考生具备了怎样的艺术观察能力和基础造型能力：首先是构图、形体比例、透视、结构及体积的准确理解和把握能力，对对象进行深入刻画的能力;然后对客体个性特征的观察与艺术表现的能力，对画面的主次、虚实关系及整体的处理能力;以及这两个方面要素有机统一所表达出的造型感觉与能力。为了更好地了解考生的写生水平，拍摄了各考场的模特照片，作为评分的依据。依次引导考生在平时的训练中回到写生中去，并关注自己综合造型能力的提高，改变单一的素描应试训练窠臼。

　　色彩考试中，设计与建筑类专业以色彩静物写生的方式进行，重新回归到写生，是源于美术学院到底需要培养什么样的艺术人才，这样的艺术人才应该具备怎样的艺术素养这一角度，重新探讨写生的意义。造型、图媒类色彩一改往年都是静物默写的传统，转为头像和静物写生两种形式，现场写生能够真正意义上考查学生在短时间里的观察、描绘、概括物象的能力;造型类头像写生在某种程度上加大了考试难度，这种突然性，使得只是通过应试训练一味地进行色彩静物默写的考生无法应对和变通;而静物写生也都是一些日常生活物品，如花卉、水果及生活器皿等寻常之物，一般不会有什么偏的内容。

　　速写作为中国美术学院招生考试中近年来重视并将继续推行的考试科目，2013年的速写改为临摹，选取弗洛伊的、德加、科勒惠支、列宾、席勒、黄胄、顾生岳、何家英等中西名家风格迥异的代表性作品作为临摹范本。同样的临摹范本，统一的评分标准，给予所有考生相对公平的机会参与竞争，优胜劣汰。

　　(1)中国美术学院速写科目考试应对策略

　　中国美术学院 美术高考速写考试要求：1、形体比例准确。2、动态生动、3、有概括力和表现力。4、表现工具和手法不限。

　　要求的第一点简单明了地告诉我们速写首要的是“形体结构准确”。这一点和素描的第一点要求是完全一致的。但是我们从这一点也能看出，在速写考试中更加侧重对比例的要求。在这里，“形”和“体”的含义和素描的要求虽然是差不多一样的。形说的是我们观看对象的第一感受，一个完全直观的感受。但我们需要在这个过程中要能准确生动地把握对象的整体动作特征，以及准确的比例关系。或者说，对于头像写生和半身作业，速写对整体动态的比例要求是一个突出的特点。假如我们在作画时看到只是一个个局部，那么这个局部的观察方式将会直接影响我们的行为。例如我们发现一些同学画速写时的步骤从头部开始依次往下画的完全不顾及人物的整个动态和形体直接的相互关系，以为把脸和手画出来就是完成了速写。因此，培养良好的观察习惯是画好速写的关键步骤。我们需要在作画之前观察对象的动作特点，分析这个动作中人体各个部位之间的关系，确定好相互的比例，找出决定动态的关键部位，才能下笔。画的时候尤其不能简单地从一个局部开始，特别是头部开始，找好基本的动态线才是重要的第一步，动态的完整把握已经包罗了比例和结构关系，以及动态特征。即使是同样的动作，不同年龄性别的人来做，体现出来的特征和性格都是有很大差别的。一般来说，速写所描绘的对象往往是一个全身的动作。人的任何一个动作行为都离不开身体上几个关键部位。从头部开始，依次分别是头和肩膀的关系，胸部和腰的关系，上身通过骨盆和下肢的关系，四肢的相互关系以及手和手腕、脚和脚腕的关系。头和肩膀的联系是通过脖子来完成的，胸部和骨盆是通过柔软的腹部来联系的。而上半身和下半身的联系则是由骨盆的运转来完成的，在四肢中，前臂和上臂之间有肘部，下肢的大腿和小腿由膝盖连接。这些关键部位决定着我们的动作是否能灵活地运转开来。当然也必然是我们在处理人物的动态特征时所必须把握的地方。

　　在我们观察对象的时候，眼睛里仿佛有一条线沿着上述这些关键点来少秒和分析对象，找出决定性的动态线，并依据这个动态线确定人物各部位之间的关系，诸如比例、结构特点等要素。对形的这样的整体的观察和把握是我们在速写的训练中而别要遵循的基本原则。只有完成了以上的各个步骤，我们才能得以进入到下一个环节。在速写中，形的含义不仅仅是一个外部轮廓，通常它还报考动作的基本形态，又由于时间的短促，我们在处理外部形态的变化时尤其要注意和内部结构紧密相连，而不能像素描那样可以从容不迫地逐步解决这些联系。对形态的把握既然是如此的内外勾连，那么我们也需要去掌握一定的结构常识来帮助我们从表象的动态中去把握那些对我们画面起着决定性作用的关键点，我们上面谈到的那些决定动作行为的部位也就是我们必须要解决和理解的对象。它有助于我们对动作的解析和判断，从而做到准确地去把握和表现对象。由此我们也可以总结说，速写当中，我们首先要完成的就是找准人物动态的动作特点以及人物整体中各个部位之间的比例关系。在勾画动态线以及动态辅助线时，我们可以详细观察贴近身体的那些区域，紧靠身体的部分正是动态的主要方面，也是影响我们确定动态的准确性的要素之一。因此，捕捉住这些地方可以使我们不受衣服形成的外形的干扰，从而达到我们的目的。

　　速写的第二点要求是动态生动。从上面对形体的分析不难看出，对动态生动的要求正是上一要求的延续。我们在找出动态特征并获得了适当的比例关系之后，自然地就进入到这个动态生动的环节了。所谓“动态生动”说的是我们在合理的判断和描绘动态时需要达到一个目标：生动。在速写强调的特点当中，生动是一个很重要的标杆。生动是自然流露出来的，是对象的特点之一，它是活跃的、有生命力的表现。也是艺术表达中最基本的一个要求。简单的说，我们不能把一个活生生的人物画得半死不活，他要有灵魂、有精神。动态生动的另一个含义我们可以理解为画得不僵死、不概念。人物的行为动态有自己的规律和特征，动态的特征很难完全依靠观察来体现——对动态的把握处理需要具有完整的观察方式，还要有相应的技巧以及对解剖结构的了解和使用。合理的学习肌肉和骨骼结构是有用的，它能让我们在作画时对动态做出预先判定以及合理的想象。从近几年中国美术学院速写考试科目来看，速写的考试难度并不是很大，基本是一些简单的动作，并且重复运动。考生可以从这些重复的运动中运用自己的观察和相应的解剖知识来捕捉其中的关键。当然，也并不是知道了这些内在的组织结构就能画出生动灵活的动态来，我们还需要把第一部分的要求继续贯彻下来。有些考生在学习了解剖和骨骼知识以后，变成了“肌肉狂人”，不画出惊天动地的肌肉感来决不罢休，而忘记了对肌肉和骨骼的学习是为了更好的观察和理解对象。我们的对象始终不是那些骨骼和肌肉，而是一个个活灵活现充满精神和欲望的人。所以这样的作品显然很难做到生动。也有些老师把人的动作分解成几个类型，然后给出一些示范，让同学熟记这些东西以不变应万变，同样是机械和概念的典型，这样的训练使学生的眼睛失去观看的作用，心灵失去感应。考生们应当去理解和学习那些杰出的艺术家的作品，去体会她们所以这样画的原因，去寻找他们的视线所及之处，来充实和提高自己的认识。大师作品中挥洒自如的几根线的根据既扎实又松动，画出来的东西不仅生动而且非常深入。我们理应如此才能学习到可以为我们受益良久的东西。因此，我们可以这样说，所谓动态生动实际上可以理解为是对第一部分要求的一个补充，一个自然的延续，是第一阶段工作良好的一个体现。

　　速写的第三个要求是有概括力和表现力。这一部分是针对绘画技巧上的一个要求。概括力和表现力都需要技巧，都需要具体的办法才能做到。概括力是速写的一个重要特点。广义上说，绘画本身就是很讲究概括的一门艺术形式，所谓概括，意思是对事物进行总结和桂鼐，它是根据事物的内在联系和本质属性来完成的。速写要求的是高度概括甚至可以不加任何明暗设色，只以线条为手段来塑造人物形象甚至是山川大地。即使是使用明暗的塑造方法，也是非常简略和精炼的。概括既是速写的特点，同时也是速写训练的目的，随手勾画、信笔而来的风格正是速写独有的特征和方式。概括意味着高度的凝练和简约，也意味着我们要很好的理解对象，我们需要从千般变化丰富多彩的物象上提取最能感动我们的地方，最能体现物象特征和性格的东西，所有这些内容都要求我们要具有良好的视野和严谨细致的判断力。所以，它要求我们必须要能从对象的表面形态上提取关键的地方，而要想做到这一点，则只有合理的使用我们的眼睛和头脑，观察并洞察形态变化形成的原因——我们要知道影响动态变化的结构是如何组织的，也要明白以什么样的方式来表现这些变化。唯有如此，我们方能知道物象中蕴藏的大量细节中哪些能为我们所用，哪些可以忽略。例如，人物速写中，衣服的处理是很关键的一个步骤，但是衣服纹路的变化太多了，衣褶不仅随着结构的变化而变化，它本身的高低曲折也很多样，不同的布料还有着不同的质感，形成的褶皱也有很多不同，我们不需要把这些细节一一体现，也没有必要在速写中体现，因此，我们需要从大量这样的细节里寻找结构点，比如那些结构转折的部分，那些能影响动作的结构点，如脖子、腰腹以及骨盆等。依托这些形成动态的关键部位，我们队整体的衣服纹路归纳总结，略去周边的细节，那么这些结构转折部位形成的衣服褶皱正是我们概括之后需要大力表现的地方。

　　从技法上说，省略本身就是一个重要的艺术手段，所以我们由此可以理解，为什么速写总是以线的方式为多，线是速写的主要表达方式，线也是我们和物象直接打交道的方式，它以直白的形式直接勾连起我们和物象之间的联系，和素描比起来，速写是不加修饰的，直白的手段。富有韵味和桀纣的线条和动态的人物形象之间存在着微妙的相似性，因此，古往今来，我们都能找出那些使用线条的绝世高手，他们使用变化多端的线条为我们勾画出无数经典名作。线虽然没有敏感的铺设，但仍然可以表达出厚重的质感以及空间和体积，线条本身的变化当中蕴涵的轻与重、粗壮和细若游丝等特点，加以合理运用，也能将体积感、空间感等诸多要素表现得淋漓尽致。线条对于衣服纹路的转折也有着同样的表现力。我们可以通过线条的疏密变化来体现结构的变化，并达到控制节奏的作用。比如，当处理躯干部位的衣服时，可以在靠近手臂的一侧衣服组织的很繁杂，而紧邻这个部位的手臂则可以处理的十分简略。绘画是多样丰富的，速写自然也不例外，线的运用虽然直观有效，并富有很强的艺术表现力，但也不是说所有的速写都完全依靠线条来表达我们的思路的。在以线条为主的情况下辅以适当的明暗调子来补充线条过于简单的起伏的地方，也是非常适合表现、适合考试的一个方法。当线条已经有效地勾画出动态特征后，我们可以在一些结构转折的部位，或者说，有明暗调子以后，我们可以更合理的丰富画面节奏的变化，从而更深入地表现对象。除此之外，我们也可以用完全明暗的方式来表现对象，使用这个方法可以根据对象的固有色来经营各个层次的灰度变化，并根据结构的动态变化对画面概括处理，精心刻画亮部和明暗交界的部位，以达到良好的表现效果。

　　要求的第四点是表现工具和手法不限。表现工具很好理解，无论铅笔、炭笔或其他工具材料，都可以使用。至于手法，我们的理解是速写的表现风格，速写的风格在一定程度上是和工具的特性相关的，当然，在艺术创作中使用的各种材料都是和作品的风格有着很密切的联系。速写由于它的直接性以及高度的概括性等特征，在风格上也表现出灵活的面秒。它体现的是我们队物象最直观的理解和感受，捕捉我们头脑中姿态万千的想法，因此，速写并不像素描那样对风格有一个总体的要求。我们可以根据自己的习惯和喜好来选择合适的表现手段，乃至于可以比素描更灵活的选用工具。总之，速写是一个讲究灵活、强调生动的艺术手段，并没有什么绝对的表达方式是唯一的。

　　(2)中国美术学院素描科目考试应对策略

　　在历年中国美术学院素描考试科目的要求可以看到有一下四个基本要求：1、形体结构准确。2、有一定的造型能力和表现能力。3、画面完整。4、工具不限。

　　其中第一点要求就是形体结构准确，它是考核中的前提条件。“形体”这个词，“形”在前“体”在后，说明了形的塑造及准确与否在素描考试中的重要性，无形哪有体，形是我们面对物象时的直觉反应，是第一位的，因而对性的理解与把握是考前学习的重中之重。特别是近几年评分时有考试模特的照片对照比较，以考查考上的造型能力，作为评分的首要标准。因此，造型能力的培养是考试得分的前提，形的不准确给考生带来的不仅仅是失分，重要的是它说明考生捕捉对象的能力与对形的敏感性、理解力有问题。所以，考生要加强造型能力的培养，要求大家的日常的训练中必须要掌握合理正确的观察方式，以及通过对客观物象仔细观察之后形成敏锐的洞察力和分析思考能力，之后是塑造能力、言语表现能力等，进而从中获得未来专业发展的坚实基础与素养。对于绘画而言，写生的要义并不是把对象的全部信息逐一展开描绘，我们需要学会选择、学会表达，哪些内容可以一带而过的，哪些内容是重要的，是你表达的重点，是出彩之处。我们必须要理解、分析对象的造型特点、精神面貌、气质动态等，就是要“知其所以然”，这就要求我们在审视对象时必须要以整体的方式来观察对方，在对整体的把握过程中去寻找特征与精妙的变化，迅速捕捉其中最能体现对象的部分并加以处理。近年来中国美术学院在素描考试中加重了半身像的比例，同时强化了对速写的要求。相比于头像，半身像的空间透视跨度大，形体结构更复杂，动态更突出，质感的表达更丰富。形体和结构是不可分割的整体。从某个角度说，结构是对象的内在客观事实，是对象造型的理性呈现，它是直接决定形体的根本性力量，外形的变化必然是和该部分对应的内在结构的变化相关联。在造型训练中，结构的部分可以借助一些解剖学书籍来补充我们的实践，有助于我们在观察时不受表象的干扰，以达到准确把握形体结构关系的目的。

　　考核的第二点是“有一定的塑造能力和表现能力”，所谓的塑造和表现有两个层面的含义，其一是关于塑造的表现，其二是关于表现的塑造。这两层关系是考查学生对造型的表达能力与艺术表现的能力。前者重造型，后者重艺术感染力，但事实上我们并不能如上所说，把这两个部分截然分开。从评判的角度来说，形体的准确与形体的表现是一体的，是关于整体画面的全部。简单地说，塑造和表现考查的是我们深入刻画能力和艺术表现能力。塑造体现着表现的艺术性，表现能力体现着你对造型的控制和理解，而深入既是对细节的处理，更是多整体的把控。例如，在评判两份水平相当的试卷时，如果造型能力相差无几，便要比较对造型的处理与表达，即构图能力、深入塑造能力及艺术表现效果如何。

　　而考核的第三点与第四点便是综合第一点和第二点，对考生造型能力、构图能力、塑造能力、表现能力及相应绘画工具材料的选择与运用能力的整体考查。所以我们在考前学习中不但要学会把握造型，还要学会表现处理，要多吸收各家之长，各家之风，熟练运用各种材料，学习各种表现风格，以在不同的场所环境、不同的对象、不同的表达语境中自如运用于发挥，充分展示自己的艺术素养与追求。

　　一张画的好坏并不取决于是否符合以上单方面的某一要求，而是在于是否遵循了绘画的基本规律和基本要求，是否敏锐地发现了对象的造型特征，是否进行了有效地深入刻画，是否具有合理而富于感染力的艺术表现。所谓有效地深入，不一定是画得很多很满，而是要有目的有重点有节奏地控制整体画面的推进，要根据实际情况灵活处理，而不是机械地学会刻画一只眼睛、一个鼻子、一张嘴巴，然后把这些东西按照一个程序组装起来。

　　(3)中国美术学院色彩科目考试应对策略

　　美术高考生在色彩备考中应该在老师的指导下脚踏实地地进行色彩科目的基本训练。虽然人的色感有先天的差异。色感好的人能观察和体会到更细微的色彩，同时又有将这些细微变化的色彩归纳成若干个相互协调的色块的能力，但是后天的训练同样使人的视觉敏锐和对色彩美感判断力的提高，两者是互为开发和互为补充的。科学的训练方法极为重要。一般来说色彩的学习是先通过临摹获得色彩基本只是和某种表现手法，然后应用这些基本只是和手法对实物(景)进行写生，在写生中训练自己的视觉的敏感性以及眼和手的协调性，学会如何观察、概括和表现，逐步积累色彩经验，为色彩创作打下基础。

　　在写生中要有意识画一些不同的物器，如瓜果类的、花卉类的、金属类的、玻璃与陶瓷器皿类的、文具类的静物，学会用比较简洁的手法概括地表现这些静物。要研究如何以有效的手法表现不同质感的物体，如表现金属用笔要硬一些;表现陶瓷，高光要强调一些;表现瓜果色彩要鲜亮一些;表现衬布，色块感要强一些。也要研究不同光源环境的静物写生，顺光的、逆光的、侧光的，因为这样的静物组合在不同的光线下有着截然不同的效果，你要知道何种效果相对于你会得心应手些。

　　写生过的东西要熟记于心，有了这样的训练的基础，你应对默写考试就会心中有数。当然画面的虚实处理很重要，照片所提供的物品的前后都是清晰的，要画出空间感一定要强化或者弱化某些东西，在色调上也要作整体的处理。风景默写难度相对要大一些，因为要把现实中的空间压缩在四开大小的画面上要在很大程度上作归纳性的处理。有效的办法是把空间划分成远景、中景、近景，对杂乱的景物进行团块化处理，重点刻画中景或近景，突出其主题。风景画的色调很重要，她是表达一幅作品氛围的重要因素，一幅调子明确的作品意味着她在色彩空间商已经有了归纳性的处理。

　　三、中央美术学院应考策略

　　(1)中国画

　　书法是中国画当中最重要的基础，它集中体现了中国文化的特征。从这个意义上来讲，书法是非常必要的一个科目。很多学生是从素描、速写入手学习绘画的，但是将来要从事中国画，就必须了解毛笔的重要性。毛笔是中国画的一个载体和媒介，如果学生不懂毛笔或没有运用毛笔的意识，那么到了中国画专业以后，就会比较盲从。因为没有基础，或自己对考试的方向不明确、不清楚中国画到底是怎么回事，所以我们要通过书法考试让考生认识到，学习中国画，必须初步具备对毛笔的认识、理解和掌握能力。

　　其次，中国传统书法里面有正体字，正体字在不同的朝代肯定是不一样的。什么是正体呢，就是国家发表的公文，即政府用的公文体。秦代的篆书，汉代的隶书，唐代以后基本延用的楷书，这些书体都是比较正规的字，现在我们对学生的要求就是写正体字。正体字应该是书法里面最基本的，也是最公行的一个字体，是考生都应当基本掌握的。但至于哪一个更具有优越性，是没有区别的，这些字体写好了都是不容易的。

　　哪一种字体并没有太大关系。一般来说是先学楷书，学隶书也可以。书法的学习主要就是两个方法;一个是临摹，买楷书字帖或是隶书字帖都可以，比如说张迁碑，礼器碑。正楷字呢，比如颜体、柳体、欧体都可以。二是求教一些书法老师，在老师的指导下来学习书法。

　　当前社会上有一种误区，有些考生和家长觉得自己的造型基础不够，考不上油画才去考中国画，这个想法是极其不正确的。学习中国画的学生要比学习其他画种的学生更需要努力。

　　要成为一个中国画画家，他所具备的条件，相对于造型专业来讲，其实是要求要更高的。因为中国画对于学习者有更高的文化内涵要求。中国画需要修养，需要比较深厚的文化修养和人文修养“修身”，是非常重要的。其次是个人的绘画天赋和技巧。如果说只有天赋，是不能成为一个优秀的中国画画家的。而且，中国画需要学习的科目是非常多的书法、工笔、写意、山水、花鸟、白描等等。哪一个科目要想学好都是非常难的，都是需要一辈子去领悟的。

　　造型基础差的学生可能会恰巧考上中国画专业，但是修养、文化，包括天赋不够，对于今后的发展影响很大。中国画所需的多方面修养，不是一天能练成的。所以没有十年二十年的功夫，是不能步入到中国画殿堂的，你会觉得中国画越往下画越难。大家都知道，齐白石到八十岁的时候才到顶峰，所以说中国画需要几十年的修炼。

　　备考意见：1、要真正喜欢中国画。中国画的淘汰率是非常高的，不是你学了中国画就能学成功，需要坚毅不拔的功夫。2、在文化修养上要多读书，要修身。修炼自己，修养自己。多了解一些我们的传统文化，读一些传统的经典书，再加以理解。3、还要学怎么做人，中国画是做人和绘画为一体的。

　　中国画考试对于素描能力的考察侧重点：首先，考生们不要有这样的误区觉得考中国画一定要画线的素描，而自己以前又是学光影素描出身的，觉得自己不能考了。不要有这种担心，中国画确实是以线为主的表达形式。但是我们在考试中，对于素描的要求主要是看他的造型能力，以及对对象的认识、理解和表达能力，而并不是强调你是用什么方法来表现。用线还是用面，有光影还是没光影，这个都是表达的外在形式，我们主要是看他的内在形式，即对于客观对象的观察、认识和表现能力。所以说没有必要觉得考中国画就要画线性素描，否则分就低，其实不是这样的。如果说你的调子素描画的好，照样评高分。

　　其次，大家对于书法的学习，不用特别担心，提前半年学习就可以了，因为中央美术学院考查的也是基本能力，大家的起点也都差不多，只要平时多写就行了。另外，即使你不是考中国画的，比如考油画、版画、雕塑的，也要写书法，因为你是中国人。这是对于中国传统文化的一种认同。

　　(2)造型学科

　　造型学科(油画、版画、雕塑、壁画和实验艺术)的考试要求考生具备扎实的基本功。基础主要是指造型能力，就油画来说，包括形要准，分辨色彩的能力，在平面上塑造空间的能力。此外，还有理论知识、艺术修养方面的基础，对传统的认识，学生个人对艺术的理解等，也是基础的一部分。

　　基本功扎实是造型考试的硬件，但不是唯一。基础包括两个方面，一是严谨扎实的造型能力，包括素描、速写、色彩的能力;另一个就是创作，它考察学生对生活敏锐观察的能力和独特的艺术感受力。其实考的主要还是写实的能力，首先是形要准，形象要像，同时又要有表现力。

　　除创作外，造型考试都是写生，造型准确是必要的基本技能，所以要求一定程度上的基本功扎实。首先，造型考试的写生要求对对象有感受力。其次，是对造型的基本认识。比如素描，对模特整个动态的把握、艺术形象整体、比例、形体、体积体块的认识。这是考试很重要的一点。最后，对形象的感受不能概念，防止模式化，要鲜明生动。

　　造型考试中，创作科目是考生普遍反映比较困难的科目，考生应该理想化的从艺术角度去创作，我们无法给考生一个方法、一个万能公式。但是提前训练、准备一些创作肯定是有好处的。

　　对于创作考试，多年以来有一个误区。很多考前班的创作课甚至培养学生们去背一些画面，到现场去套一个画，这样对待考试的方法和态度是错误的。在全国来说，应该只有中央美院还在考创作，其他学校基本都取消了，创作为什么保留呢?主要是测试一下同学的想象力，在基础写实的能力考试之外，能有一门关于想象力的考试。所以说同学们审题的过程是很重要的。如果是背了一个套上去，得分是不会高的，应该是在审题之后把自己在创作方面的一个能力发挥出来。

　　此外，需要考前训练小创作构图。考试时找与题目的结合点，构图要适合题目，要点题。

　　创作就像高考写作文一样，它要考察一个年轻人敏锐的观察力、感受力和独特的见解。同一个题目，有些画就简单直白，有些画就智慧巧妙。创作就是一个智慧、一个点子，把事情讲得明白，又给人想象的空间。

　　创作需要有个积极的心态，不能应付。提前准备没有问题，创作直接反应现实生活，对身边的现象的观察能力，对人物环境的组织能力。平时要大量的观察，多画速写。

　　考生在考场上的发挥很重要，调整好心态是非常重要的。考生考场上少看别人的作品。保持最佳状态，充分发挥优势，心态平和。一定要放松，把考试作为平时的一次练习。放松心态，不要紧张，要有一种“无所谓”的心态，考场中努力完成每一科目的考试。在考场上尽量发挥出自己的水平来，这很重要。考试是带有很大的偶然性的，把自己真实的水平发挥出来是很重要的。考试心态要从被动变为积极主动，保持一个兴奋的状态，不要紧张，如果考试过程中出现失误，不要气馁，冷静思考分析判断，不到考试最后不要退出。

　　造型学科备考建议：首先当然是你要喜欢，再就是研究那些范画，多画。但是一定要记住这么画不等于艺术，只是为了考试。不要因为考试忘掉自己的爱好，不要忽略身边的亲情友情。考学不是最终目的，要具备专业心态，对周围事物的敏感性。

　　其次，要先把文化课学好。文化课学好了，绘画方面能更深的认识问题，进步也会快。了解艺术史，提高艺术素养。其次平时尽可能的多画速写，因为速写的训练比较自由，任何环境下都能画，对以后的素描，创作练习都有帮助。

　　然后，建议考生来北京参加考前班学习。仅从应试角度讲这还是必要的。虽然看起来要求都差不多，但是每个学校又都好像有一种说不清楚的“风格”，考生到北京来学习，就能比较了解所考院校潜移默化的的东西。此外，北京的一些培训机构，对北京各校的考试内容、方向、风格比较有研究，对于考生来说有一定的优势。当然，不一定非得到美院附近的考前班来复习。但是因为美院周边的考前班有美院的学生兼课，一方面他们本人的能力就相对较高，同时也能让考生更准确地把握所考学校的考试要求，所以很多人都这么做了。

　　利用好艺考参考书。考生要把功利的考试和理想的艺术分清楚。考上美院和成为艺术家虽然有关联但是不画等号，这些书就是为了应试、为了进美院的，要成为艺术家还有许多东西要学，还要求别的素质，而且需要个人天生的潜质。当然，在应试条件下找最好的作品看，把眼光调高。这些画册，特别是由中央美院学校招生办主导出版的考试试卷分析或优秀范画分析对考生来说是很有好处的，至少可以了解到美院的考试形式、内容和需要达到的标准。至于社会上的出版物就鱼龙混杂，要谨慎选择，重要的还是学校自己出的试卷分析等。这个需要找有经验的老师推荐。另外，不要依赖和企图利用参考书走捷径，要看大师的作品，但还是需要自己在面对形象时，把观察研究作为出发点。

　　(3)设计学科

　　随着艺考的不断升温，近几年艺考报名的场景异常壮观。报考中央美术学院设计类学生超过10000人，超过报考中央美术学院所有考生的30%。在普遍艺术类学生就业困难的情形下，中央美术学院的就业率还是很可观的，设计学院同学在完成本科学业之后，多选择出国留学或国内深造，选择工作的同学也大都找到满意的工作。就业情况普遍良好。

　　近年来报考艺术和设计的考生数量大大超过以往，这反映出一个社会现象，就是现在的学生热爱艺术、热爱设计，他们对艺术的主动性增加了。当然，这与整个国民经济的发展有关。读艺术设计是需要花钱的，有这么多学生能够考、愿意考，说明他们背后有家庭的支撑。喜欢艺术的学生越来越多，对于国民素质的提高就会越来越强。另一方面，这也体现出就全国而言，中央美院是有它影响力的，所以这么多考生踊跃的来报考央美，这也是一件非常好的事情。

　　中央美术学院设计学科考试以考查学生综合能力为主。中央美院设计学院的招生考试与国内其他院校有所不同，在绘画基础的考察之上，注重考察学生的创意性思维。

　　备考意见：不要把考试当成一种问题，考试只是一种历程。如果把考试当成一种问题的话，人的心理就会发生很多的变化，比如说侥幸心理，最后他会与艺术离的越来越远。我们对考生的建议就是，坦坦荡荡的画画，认认真真的思考，快快乐乐的体验。考试不要带着猜疑，不要带着侥幸心，而是要带着一种天真、自然、朴素的心态。

　　注意：很多人对“城市设计”有误解，都以为是搞规划、搞建筑。实际上，我们是搞城市文化、城市创意、城市艺术这样的设计。首先要求学生对生命和生活有热情，这很重要。如果搞设计的人对生命和生活没有热情，你的好奇心没有出来，就找不到设计的方向。第二点是培养青年学生具备广大的视野和宽大的胸怀，因为你为大家服务，就需要知道大家的困难，就必须擦亮眼睛，针对不同的人群，找到他们各自需要什么。建议考城市设计学院的同学们注意这两点。

　　(4)建筑学科

　　中央美术学院建筑学科考试对考生的禀赋和基本功是同时要求的，因为禀赋是靠基本功表现出来的。没有基本功的话是没有办法展示禀赋的，两者是不能分开的。

　　一幅好的试卷，它首先必须是一个完成的作品，在完成的基础上，希望学生有自己想法的。如果没有画完，阅卷老师是无法知道你的想法的。即使有很好的想法，但是没有表现出来也是不行的。

　　“立体构成”科目的考察目的。立构是对考生空间思维能力的基本测试。这个基本测试既考察了考生的空间想象力，又考察了考生的空间表达能力。基本的空间认识、基本的比例关系、基本的空间审美和一个相对逻辑的理性表达是考察的重点。素描色彩是绘画的基本能力，而立构则是建筑学生更应该具备的基本能力。

　　“立体构成”科目的注意事项。考试有三个小时，要完整表达并不难。立构考试中禁止用色彩，目的就是不要把时间浪费在炫丽的色彩表现上，而是能够正确解题。在正确的基础上又有所创造，这是最基本的。对比起空间思维能力，素描关系与色彩表现并不是最重要的。真正用在表达上的时间并不用很多，而设计构思过程应该多花一点时间。不要拿到题就画，看一遍题目就自以为清楚，直接奔结果去，这样假如审题有偏差，画到一半就很难改过来，表达上清晰有效就行了。

　　中央美术学院的建筑学科与理工科的建筑学科的异同。从本质上没有什么不同。建筑学就是建筑学，它不存在美院建筑学还是理工建筑学。美院建筑学的优势就是有很好的艺术教育背景、人文以及其他学科的支撑，这样的氛围使学生在形象思维、审美能力和表达能力的培养中更具有美术学院的特点。我们的教学也会更加强调建筑的人文性和艺术性。其实从本质上来讲，没有根本的不同，只是在教学的背景、方法和思维上会有所不同。

　　四、清华大学美术学院备考策略

　　从素描、色彩、速写这些基础考试来讲，首先要做到冷静，冷静才能对对象进行深入的观察。

　　观察分析客观对象的一些特征是一个比较重要的环节，如形体特征、精神状态、五官表情等。在进行细致地刻画对象之前，先做到心中有数;其次，考虑客观条件，如光线的问题、角度的问题。在描绘客观对象方面，还要注意形的塑造，造型结构要准确。在明暗光线方面要注意表现光线体积。另外，要注意对人物形态和精神面貌的刻画。无论是素描、色彩，都涉及到形的问题、色的问题，还有各个环节之间的关系。考生在考试过程中，往往因为忽略了对对象的观察，所以在表现对象时往往反映出几个问题：结构造型不十分准确，如鼻子画大了、眼睛画小了，还有五官的位置、脖子和头的关系、头发和脸部的关系，出现很多不太符合现实情况的现象。另外一个就是对整体色调的控制，只注重对对象局部的刻画，忽视了整体之间的相互关系，从而显得与其他局部的结构关系、整体关系不协调。这也是一个容易出现的问题。此外，在客观条件不太有利的情况下，在表现明暗关系时，不能够主观去强调，比如画得灰了、模模糊糊了，空间感不是很强等。

　　这主要反映了考生对人体结构掌握得不扎实。还有画法、程序有一些不科学。在描绘人物个人特征和精神面貌的时候，往往不能抓住鲜活的一面。就是说，见到对象的第一印象、第一感觉，往往画着画着就淡化了，因为考试有时间的要求。考生到了考场，从观察到表现的过程、步骤是很重要的。而且，考生在交卷前往往忽略画面与客观对象之间的检查，不能够在最后的环节针对对象进行对比检查，有些出现的问题最后没有解决，很遗憾。

　　设计基础方面的注意事项。设计基础主要考察考生对生活的敏感观察能力。在创作上，考生可以根据自己熟悉的生活进行表现。能够把发生在身边的感受比较深的事情组合成为一个主题，和谐地、艺术地加以烘托。这除了要具备基本的造型结构能力外，还应具备创意构思的能力。而设计在表现方法上更宽泛，可以用人、用物、用人与人、物与物、人与物等宣扬主题。

　　比如说，清华大学美术学院有一年的考题要表现奥运主题，有的考生表现奥运五环与场馆、建筑，也可以表现人们对奥运的激情、人们为奥运做一些事情，也可以是对未来奥运的一种理想，还可以是虚拟的，把毫无关系的两个东西放在一起来表现奥运，可以根据不同的组合和关系去发挥主题。我认为设计基础需要考生在敏感观察能力基础上的归纳、取舍，甚至是夸张等各种手法。你要把事物的基本造型表现好，物体与物体之间的关系塑造好，结合主题表现得好。我们考察的基本点，创意是一部分，另外表现的物体的造型是一部分，当然还包括色彩以及构思。也就说构思比较新颖，造型比较生动，表现的物体比较贴切，然后它们之间的关系是有机的，最后一点就是表现主题的感觉是很合适的。

　　美术创作方面注意事项。美术创作主要是对生活的表现，要求比较真实地、自然地表现身边所发生的典型事例，反映对生活的感受。表现的手法是多样化的。2005年的创作考题是《我的家园》，有的考生表现的是一家人在自己的房间里学习、读书、吃饭这些生活情景;有些农村的孩子表现在农村劳动、收割、杀猪等;有的表现发生在家门口的事情，比如工人盖新房;还有的表现社会公益。什么体裁、什么内容都没有限制。只要你在造型、构图、人物、主题等方面刻画表现得好就可以。

　　清华大学美术学院考试比较看重考生的创意。要求考生提高原创性。有一年出《沟通?交流》这个题目，10000份卷子可能有3000份想到打手机。这种考虑问题的方式是比较一般的;又有30%考虑到电脑、互联网，可见想象力不够丰富;聪明的考生会避开这些东西。当他选用手机、互联网等一般方式去表达创意的时候，就要强化造型和表现。这种理念符合题目，但是创意是差的。创意对设计太重要了。比较好的有很多，有一份卷子给我的印象比较深刻，但是它的跳跃性完全不能用设计的标准去衡量，设计的标准比较紧扣。这里的“沟通”主要指思想的沟通。那个学生画的是一个人在梳头，画面还特别抢眼。开头，卷子不及格，后来我把很多老师都说服了，打了比较高的分数。他是这样表现的：画的是背面，一个卷发的人在用梳子梳通卷发，画面本身相当抢眼，构图有张力，但他偷换了文字概念。即使这个概念被偷换了，但它不失为一幅优秀的作品。这种人的智慧能力符合设计要求。当代艺术讲究智慧，并不是传统的式、继承一种美学的范式。

　　考生应在平时积累素材，提高创新能力。就怕考前指导都有了，最后考试变成了模式。有一年年我们评卷子时发现，有些很个性化、非普遍性的主题大量出现。例如有不少于50张卷子画的是理发，理发师给一个人剃头，头上剃了个奥运五环。这和平时的奥运题目训练有关，肯定是考前班教授的。我觉得这不是街上随便的广告、宣传画，而是很有创意的个案，但它被拿出来作为一种模式，其性质就变了，这就是应试教育的恶果。此外，中国结也是类似情况。女同志的头发变成中国结，大概也有40份之多。评完卷子后，我发现有若干相对集中的类型，肯定是考试记了几种模式。ノ胰衔，艺术设计考试的立足点是考查学生的应变能力和对生活的认识。你对日常生活要有所了解，不能只读书、读死书，别闷在房间里画素描，不知道外面发生的事情，忽视自己的所看所感。我看过有些院校组织复习艺术设计专业的题库，倒也很好。所以在学习的时候要有明确的方向性，比如立体几何的学习、平面几何的学习、视觉常识的学习等，这对将来准备专业是有一定益处的。

　　除了内容或表现形式的雷同，考生需要有扎实的基本功。所有不及格试卷还是基本功有问题。造型和表现还是最基础的东西。平常要学会怎么去表达自己的思想，不是用文字，而是用图形。其实，我觉得从设计的考查角度来看，要能反映出考生的造型能力，对色彩、线的控制，又反映出他的智慧、思考问题的速度及对生活日常的认知，就比较完善了。

　　在考场应注意的事项。在考场上，尤其是设计考试，首先是冷静地判断题。其实，考试的题目很简单，但有的学生慌慌张张地没看清题。首先要看题目是什么，尺寸是什么。现在很多学生不看尺寸，画得很大，严格意义来讲是跑题了，尺寸也是题目的一部分。另外，看清题目要求很重要，它本身已经告诉你如何去设计了。例如有一年考《沟通》，其实考题要求已经告诉你画什么了，人与人、物与物，两人就是沟通，只不过要注意在物体的组织过程中体现出之间的关系、交流和穿插。题目也提供了设计的方法和设计的方向。再有就是不管你怎么画，如果最后的画面效果很脏很乱，也体现不了一个学生对形态的驾驭能力和对画面的控制能力。一个好的创意，没有好的表现是体现不出来的。但是，只有好的表现没有创意，画面就很平淡，达到很高的水平就很难。另外，注意不要舞弊，带有抄袭的现象。有些学生的作品我们一看就知道抄自哪本书。不过可以理解，学生不太了解设计，平常积累得不够，无意中照搬看过的书。

　　考生最好不要背题，阅卷老师对背题这种方法比较反感。背题也许能反映点技巧，但是，它体现不了原创的能力。如果你技术很好的话，这样做反倒把你耽误了。考试是要考你现在的感觉，并不是设计名师的概念。

　　考生中普遍存在的一些问题及建议。就设计而言，考生普遍存在表现能力弱的问题，这是因为表现训练不够。表现训练跟素描、速写、色彩不太一样，它反映了客观物体的主观处理。这反映在考生理解了命题，但是重新编排设计以及把客观的造型语言转换成主观的设计语言的能力不够。平常应该训练从写生到变化到创造一种形态。另外，色彩和图形关系的表现问题比较大，色彩控制不住。色彩训练很重要，例如自然色彩的提取、画面布局关系，特别是色彩的调子、基本属性，如果画面调子乱，看起来就很不舒服。所以，建议大家在训练素描、水粉造型基础时，腾出一定的时间进行装饰造型训练，比如人物的装饰变形训练、植物的变形训练、色彩的基本属性、光带来的色彩变化、写实色彩和装饰色彩的转换、装饰色彩的面积比等。没有绝对的好与不好的色彩，只有面积比不合适产生的色彩不舒服，如对比色的面积比。还有黑白灰等调和色，虽然个性不强，但是调和能力强，会协调其他色彩对比产生的矛盾。所以，画面协不协调，要看色彩比例的关系，应该有色彩构成和装饰色彩的训练。

　　素描的真谛是造型。无论是写生还是创作，无论是静物还是人物，都是造型理念的综合体现。造型不仅是在人物与静物的轮廓之中填充明暗，还是运用明暗、黑白、虚实、结构等因素的组合构成，表现空间、思想、感情。古今中外优秀的素描作品，无不是既刻画出精美的图像，有表达出崇高的境界。参加清华美院的素描考试既是一次造型基本能力的充分比较，也是一次考生素质、修养、品格的集中展现。在相同的考试要求面前，不同的考生对于素描的理解，对于美丑的认知会存在比较大的差异。毕竟完成一张头像或者静物作业与画出一幅完整的素描作品相比，其意义是完全不同的。能够不同程度低减少这种差异，也就是素描考试的目的所在。

　　素描静物备考：最常见的生活情境其实是最具有表现力的素材。只是我们常常会好高骛远，忘记我们身边发生的那些熟悉的事物。通常在考试的情况下，考生愿意尽可能地想的更多、画得更好。但是，往往会忘记平时自己最了解的、最简单朴素的东西。把简单的东西画好，无论是对于考试成绩还是自己基本能力的提高都是有好处的。绘画的构图除一般规律外，并没有其他刻板的规定，作者完全可以根据自己的情况，大胆地去琢磨、去组织，只要自己觉得看上去舒服就应该是考试中可以采用的构图。有时候在考试的竞争比较中，“与众不同”甚至比画得熟练更加重要。同学们在平时练习的过程中，应该留意自己的绘画习惯和特点，有意地留意它们，以便在考试中让自己的作品在众多考卷中脱颖而出。除了符合考试的基本要求之外，画面内容选择的新颖是一幅作品出彩之处。生活中常见的物品常常被考生们忽视，而这些恰恰是评卷老师最愿意关注的重点。在残酷的考试竞争中，哪怕稍有流露一些真情，也是感人的，也是评委们寻找和期待的对象。只是我们大多数人平时太过注重技术的积累而忽视了这些更为重要的因素而已。

　　速写作为造型艺术与设计艺术的基础，是美术院校的重点考试科目之一，同时也是多数考生基本绘画能力中最薄弱的科目。它不仅要求学生熟练地掌握人物比例、结构、动态的描绘，更注重考查学生构图的组织能力、人物关系的处理能力、人物与景物的综合表达能力。能够熟练、自如、准确地画出考试题目内容的考生，无疑是合格的。所谓构图完整、造型准确、立意新颖就是指考生在塑造形体、组织画面、构思角度方面的综合能力。准确无误地表现出主题，生动活泼地画出人物姿态，大胆明确地处理好人物与景物的关系，让画面合理、有序、耐看，不仅是每个考生应该做到的，也是学习艺术的学生必须经历的一种体验。如果你是真正地热爱艺术，达到上述标准并不艰难。

　　速写备考：在绘画构图中，物体的摆放和组织是很重要的事情。但摆放的结果也是有好坏区别的，好的自然，不好的做作。往往越是自然的组合，人物摆放的痕迹就越少，最好的画面甚至感觉不到认为安排的痕迹。胆大和挥洒的写生是与平时大量的练习和积累分不开的，但是更重要的是之中保持自己对绘画的良好感觉。平日里艰苦和枯燥的练习，不能作为我们放弃对绘画感觉和热情的理由。评判试卷的标准当然十分严格，但最终画面效果的好坏，才是影响评委的重要原因。在考试过程中，坚持、镇定、平和的心态是非常重要的，也同样可以为自己争取理想的成绩。特殊视角往往是考生习惯采用的构图方式，为的是增加强烈的视觉效果，但如果缺少生活中的观察和积累，没有足够的细节刻画，只以构图角度是不能支撑一张完整而优秀的试卷。在构图上以局部代整体的方式也是考试中常见的，但如果平时积累不够，细节刻画不足，反而弄巧成拙。

　　色彩相对于素描和速写而言，是一门“形色兼备”的考试。它既要求画面造型准确，又要求色调完整，但在“形”、“色”的平衡之间，考试标准更倾向于色彩关系的完整性。色彩表现尤其特殊的方式和规律，以色彩表达空间，以冷暖表明体面，以色调表现氛围，这是色彩考试的主要判断依据。既不能以塑造形体为理由而放松对色彩关系的把握，也不能以宣泄色彩为理由忽视造型的严谨，而“以色造型”就是二者最好、最完整的结合与统一。对应于素描关系中的黑白、虚实、强弱表达，色彩关系则是冷暖、深浅、纯灰的集中体现。一个诉诸分析，拎一个寄托于感受。如果说素描关系的表现意义倾向理性，那么色彩关系的表现意义更多的则是感情。

　　色彩静物备考：考生们平时很少画花卉、云彩、烟雾这些形态不确定的物体，也没有研究过它们的色彩表现方法和造型特点。大多数考生的训练都用来描绘那些形态固定的锅碗瓢盆和蔬菜瓜果，所以在考场上就只能画那些他们会画的内容，这是不能取得清华美院色彩考试好成绩的主要原因。在构图和色彩的表现上借鉴一些优秀风景作品绘画的特点，并根据考试的要求和自己的特点做一些调整和补充。这也是很多有效的学习方法中的一种，考生可以根据自己的洗好选择适合自己的一些绘画作品临摹体会和运用。通过营造一个完美的色调，去获得最佳的画面效果，应该是所有参加色彩考试的同学必须考虑的首要问题。

　　色彩人物备考：人物色彩最难表现的还是那些处于中间状态的“灰颜色”，是那些我们的调色盒里没有的颜色。我们需要不断积累经验，摸索属于自己的一系列色彩经验，才能在人物脸上捕捉那些平日里看不到的色彩因素。不论什么样的角度，无论什么样的光线，只要我们能够以色彩关系为最终的目的和追求，我们才会逐渐地、真正地做在面对画面时无所畏惧。

　　绘画方法很多，也会因人而异，只要能够达到满意的结果，所有的方法本身都是可以借鉴和学习的，可以根据每个人的具体情况，自由地做出对绘画方法的选择。

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